Как переводится слово stuart blackton

августа 03, 2010

Самый первый мультфильм в мире

В среде экспертов не утихают споры о том, какой из мультипликационных фильмов считать первым в мире. Ведь за это право могут побороться сразу 3 разных мультика: «Фантасмагория», «Юмористические фазы весёлых рожиц» и «Отель с призраками». А первооткрывателем мультипликации, соответственно, можно назвать Эмиля Коля или Джеймса Стюарта Блэктона. Хотя считается, что всё же именно «Фантасмагория» стала первым полноценным мультфильмом.

Есть мнение, что ещё до 1900 года Джеймс Стюарт Блэктон (James Stuart Blackton) создал «оживающий волшебный рисунок» для камеры Томаса Эдисона, в котором сочетал традиционное искусство графики с техникой кино и, таким образом, создал нечто новое — динамическую сферу мультипликации.

Именно этот приём, уже в 1906 году, Дж. Стюарт Блэктон использовал в своём фильме «Юмористические фазы весёлых рожиц» (The Humorous Phases of Funny Faces), а чуть позднее и в фильме «Отель с призраками» (The Haunted Hotel), который был показан зрителю в 1907 году.

Именно «Отель с призраками» пользовался у зрителя большим успехом, в нём технология «оживания», «самодвижения» неодушевленных предметов была применена особенно эффектно. Когда этот фильм был показан в Париже, операторы французской фирмы Gaumont никак не могли раскрыть секрет этого заинтересовавшего всех трюка, которому во Франции дали тогда название «американского движения».

Однако, все эти фильмы, созданные и показанные Блэктоном, ещё не являлись полноценными, в нашем понимании. Они были только демонстрацией возможностей, которые и были применены позже в «Фантасмагории». Именно этот мультфильм, собравший в себе эти приёмы и технологии, большинство экспертов признают первым мультипликационным фильмом в мире.

Мультфильм «Фантасмагория» (Fantasmagorie), французского художника-карикатуриста Эмиля Коля (Emile Cohl), был показан компанией Gaumont 17 августа 1908 года. Этот мультик был создан при помощи тёмных линий, которые были нарисованы на белой бумаге, после чего их отпечатали на негативе, что и создало эффект рисования мелом. В итоге, для создания полутораминутной «Фантасмагории» было использовано более 700 рисунков.

Стоит отметить, что самый первый фильм появился в мире лишь незадолго до самого первого мультика, в 1896 году.

По материалам animate.narod.ru

Мультипликация дозвукового периода: ранние эксперименты

Аннотация: В статье рассматриваются первые опыты по созданию анимационных лент, благодаря которым появилось на свет новое искусство – мультипликация (анимация): от первых попыток передать движение на экране до кинолент, повлиявших на развитие мирового кинематографа. В работе представлены эксперименты Эмиля Рейно, Э. Коля, Д. С. Блэктона, В. А. Старевича и других пионеров анимации. В исследовании также выявляются особенности дореволюционной российской анимации и её связь с мировой анимацией. Сравнительный анализ позволяет проследить связь ранних анимационных фильмов эпохи немого кино с театральной культурой, а также с ярмарочными представлениями. Новизна исследования состоит в сравнении ранней мультипликации с балаганным представлением, в ходе которого создатель анимационного произведения сам представляет его публике. Сделанные выводы позволяют рассматривать раннюю мультипликацию как один из видов технического трюкового эксперимента, заложившего основы для развития нового вида искусства.

Ключевые слова:

анимация, мультипликация, анимационное кино, кукольная мультипликация, комедия масок, театральная культура, ярмарочное представление, кинематограф, Эмиль Рейно, Владислав Старевич

Abstract: This article explores the first experiences of creating the new type of art – animation: since the first attempts to depict motion on the screen all the way to motion picture films that influenced the development of global cinematography. The work presents the experiments of Charles-Émile Reynaud, Émile Cohl, J. Stuart Blackton, Ladislav Starevich, and other pioneers of animation. The author describes the peculiarities of prerevolutionary Russian animation and its relation with the global animation. Comparative analysis allows tracing the link between the early animation films of the era of silent films with theatrical culture, as well as fair shows. The scientific novelty consists in comparison of the early animation with slapstick comedy, in the course of which the creator of animation piece personally presents it to the public. The drawn conclusions allow considering early animation as one of the types of technical trick experiment, which formed the basis for development of the new type of art.

animation, cartoon film, animated films, stop-motion animation, commedia dell’arte, theatrical culture, fair performance, cinematography, Charles-Émile Reynaud, Ladislas Starevich

Мультипликация старше кинематографа. Официальной датой её рождения считают 28 октября 1892 года, когда французский изобретатель Эмиль Рейно усовершенствовал своё же изобретение — праксиноскоп и устроил первый сеанс показа движущихся картинок в парижском театре Гревэн.

Однако предпосылки для зарождения мультипликации появились гораздо раньше. Некоторые исследователи полагают, что первые попытки изобразить движение предпринимал ещё первобытный человек. И именно поэтому на стенах пещер можно увидеть изображения животных с несколькими конечностями, головами или хвостами – таким образом первобытный художник пытался передать движение. Эти попытки не прекращались на протяжении всей истории человечества. Жорж Садуль в своём многотомном труде «Всеобщая история кино» отсылает читателя к многочисленным оптическим приборам, придуманным в XIX веке для развлечения публики [1, с.31-49] .

Для развлечения устраивал свои представления и Эмиль Рейно. Его «оптический театр» — громоздкая конструкция, представлявшая собой усовершенствованный праксиноскоп (приспособление для показа движущихся картинок при помощи системы зеркал), соединённый с «волшебным фонарём», — пользовался неизменным успехом в последнее десятилетие XIX века. Показы «светящихся пантомим» проходили в музее Гревэн регулярно, по несколько сеансов за вечер. За ручкой аппарата – сам автор. Ленту можно было останавливать, прокручивать взад-вперёд, создавая нужные эффекты. Историк кино Жорж Садуль считал, что ленты Эмиля Рейно по живости образов не уступают мультфильмам Уолта Диснея [1, c.95, 100] . Однако, это была ещё не мультипликация. Дело в том, что ленты праксиноскопа, которые можно условно считать прообразом современной киноплёнки, по сути ею ещё не являлись, поскольку не были предназначены для съёмки и фиксации на них фотографического изображения. Это были полотняные ленты большой протяженности, на которые крепились стеклянные пластины с цветными рисунками. Позднее, Рейно заменил стекло на желатиновые пластинки для облегчения веса конструкции, однако из-за частых показов (каждый день от 5 до 12 показов на протяжении почти 9 лет) пластинки быстро приходили в негодность, и Эмилю Рейно приходилось вручную подправлять и подкрашивать каждую из них. Впрочем, и рисовал он свои «светящиеся пантомимы» сам. Также самостоятельно писал сценарии, монтировал ленты, состоящие из сотен картинок. Длительность каждой из них была примерно 7-8 минут. За один сеанс демонстрировались сразу несколько лент, каждая из которых обладала сюжетом, пусть и достаточно незамысловатым. «Клоун и его собачки», «Бедный Пьеро», «Кружка пива», «Вокруг кабинки» — сюжеты в них были построены на гэгах и комических трюках. Именно за эти трюки публика и была готова платить деньги, именно ради них она и приходила на эти представления. Пока в 1895 году братья Люмьер не продемонстрировали в одном из залов «Гранд кафе» на бульваре Капуцинок свой первый фильм – «Выход рабочих с фабрики», а затем «Прибытие поезда на вокзал Ла-Сьота», «Политый поливальщик» и другие. Братья Люмьер не были первыми, кто ставил опыты с записью изображения, и кто изобрёл аппарат, позволяющий эту запись производить (например, уже был запатентован кинетоскоп Томаса Эдисона). Но они были первыми, кто устроил первый киносеанс, и таким образом вошли в историю как изобретатели кино.

Появление кинематографа в 1895 году – это настоящий прорыв в зрелищных искусствах. Спрос на кино растёт, а на оптические игрушки, наоборот, падает. В 1907 году Эмилю Рейно приходится свернуть производство. В 1910 году Рейно, подавленный постигшими его неудачами, в отчаянии разбил все оборудование, продал конструкции «Оптического театра» на металлолом и утопил свои фильмы в Сене. В 1918 году он умер в полном забвении в приюте для бедняков. К счастью, сохранились кадры двух его картин «Бедный Пьеро» и «Вокруг кабинки». Заслуги Эмиля Рейно не были забыты, и в честь первого показа его «светящихся пантомим» был учреждён Международный день анимации, который отмечается 28 октября.

Однако пионером анимации и создателем первого в мире рисованного мультфильма считают не Эмиля Рейно, а другого Эмиля — Эмиля Коля.

Эмиль Коль (настоящее имя – Эмиль Куртен) начинал как ученик ювелира, фокусник. Заинтересовавшись рисованием, стал довольно успешным и известным карикатуристом. Его рассказы в картинках размещали многие газеты того времени. Кроме того, он увлекался фотографией.

Его карьера в кино началась неожиданно: по его карикатурам студия Гомон сняла художественный фильм, фактически украв его идею. Когда он пошёл к руководству студии требовать справедливости, ему сразу же предложили должность штатного сценариста. А, поскольку он хорошо владел искусством фотографии, он быстро перешел на должность оператора. А потом, совместив свои умения, стал делать графическую анимацию — придумывал сюжет, рисовал, снимал — всё в одиночку. Он экспериментировал с разными техниками, изобретал приёмы, совмещал кадры натурные, рисованные и тому подобное. Свои картины Коль рисовал сам — кадр за кадром, а лента длиной всего 36 метров вмещала 2000 кадров. В его фильмографии насчитывается около 300 фильмов (по большей части короткометражных), однако более половины из них считаются безвозвратно утраченными. А самый известный из фильмов Э. Коля — «Фантасмагория» (1908) считается первым в истории мультфильмом. «Фантасмагория» состоит из порядка 700 рисунков, выполненных тушью на белой бумаге, сфотографированных и переведённых в негатив. В результате фигуры, состоящие из белых линий, передвигаются на черном фоне. Сделано это для того, чтобы избежать «визуального шума», мешающего восприятию изображения» [3, c.317] .

Персонажи «Фантасмагории», заимствованные из народного театра, назывались «фантошами». Фантош — в переводе с французского — кукла-марионетка. В этих мультфильмах ещё не было сюжета, они представляли собой набор трюков, бесконечные метаморфозы персонажей и окружающего их мира. Анимация ещё не вышла за пределы аттракционности и игры с формой. Об аттракционном и игровом характере мультипликации говорит и образ центральной фигуры мультфильма – маленького клоуна. Клоуны часто становятся персонажами немого кино, особенно мультипликационных фильмов. Можно вспомнить такие ленты Эмиля Рейно как «Клоун и его собачки» (1892) (лента не сохранилась) и «Бедный Пьеро» (1892), в котором действуют персонажи итальянской комедии масок – Пьеро, Арлекин и Коломбина. «Цирк лилипутов» (1898) Джеймса Стюарта Блэктона — первый кукольный фильм, также не сохранившийся, в котором с помощью покадровой съёмки снято движение деревянных марионеток из детского игрового набора, изображающих циркачей. В третьем эпизоде ленты «Комические фазы смешных лиц» также появляется клоун, дрессирующий собаку (здесь впервые был применён способ перекладки, при котором подвижные детали плоской марионетки перемещаются перед камерой). Американский карикатурист Уинзор Мак-Кей одним из героев своих комиксов, а затем и мультфильма, сделал клоуна Флипа («Малыш Немо» (1911)). А одним из самых известных мультклоунов стал Клоун Коко, персонаж мультипликационных серий «Из чернильницы» (1919-1929) братьев Флейшер.

Сюда же можно отнести и образ маленького бродяги Чарли Чаплина, который достаточно часто пародировался и воспроизводился мультипликаторами (от «Кота Феликса» Отто Мессмера и Пэта Салливана до «Голубого щенка» реж. Ефима Гамбурга).

Всё это говорит о связи мультипликации с ярмарочной и театральной культурами. О сходстве ранней анимации и театра можно также судить и по способу показа таких мультфильмов. Они часто подаются как представление, в ходе которого изображение «оживает», едва рука художника допишет последний штрих. Так происходит, например, в ранних экспериментах Джеймса Стюарта Блэктона, таких как «Очарованный рисунок», в котором сам художник рисует на листе бумаги лицо джентльмена, меняющее выражение в зависимости от действий художника, а также «Комические фазы смешных лиц» того же автора, где мужской и женский портреты, нарисованные в кадре рукой художника, приходят в движение, начинают гримасничать, после чего эта же рука стирает изображения. Тот же приём используют Макс и Дейв Флейшеры в мультфильмах серии «Из чернильницы». Каждая серия начинается с того, что художник (Макс Флейшер) чернилами рисует на листе бумаги клоуна, который тут же оживает и начинает свои проделки. И ранние картины Уолта Диснея отмечены подобной техникой («Страна чудес Алисы», 1923).

Карикатурист Уинзор Мак-Кей придерживался такого же способа подачи художественного материала. Более того, он сам путешествовал со своими лентами, разыгрывая с их помощью целые представления. В одной из самых известных своих лент «Динозаврик Герти» (1914) Мак-Кей представал в качестве дрессировщика доисторического животного. Сам автор во время таких представлений отдавал команды, а анимированный динозавр выполнял или не выполнял их, что придавало действию некую долю драматизма. В конце представления автор уходил за экран и тут же появлялся рядом с динозавром в нарисованном виде, после чего уезжал на нём верхом. Другие фильмы Мак-Кея были так же обставлены в виде мини-спектаклей с участием автора.

Так, художник предстаёт в виде творца, дающего жизнь нарисованным им персонажам. Такой же приём использует спустя 60 лет чешский мультипликатор Иржи Трнка в фильме «Рука», однако в этом произведении рука уже не творец, а олицетворение «власти, силы, устанавливающей свой миропорядок» [3, c.289] .

Эпоха немого кино была эпохой изобретений, новых трюков, технических новинок, совершенствования кинематографической техники. Каждый художник, каждый автор фильма был своего рода изобретателем, новатором, привносил что-то своё в процесс создания мультипликации.

У российской анимации немного другие истоки. Она появилась из увлечения наукой (энтомологией) и фотоискусством одного из своих первооткрывателей. И в противовес западным cartoons[*], это была кукольная анимация. Первым, кто сумел «оживить» на экране кукольного персонажа, считается российский (а позднее французский) аниматор польского происхождения Владислав Александрович Старевич. В анимацию он пришёл благодаря своим увлечениям: энтомологии, фотографии и рисованию. Он начал свою кинематографическую карьеру в качестве оператора у кинопромышленника Александра Ханжонкова, сняв несколько документальных лент о жизни насекомых. Однако попытка снять игровое кино с насекомыми-актёрами провалилась. Как вспоминал сам Старевич, гуляя в лесу, он увидел, как сражались два жука-рогача. Их битва по накалу страстей не уступала боксёрскому поединку. Старевич забрал бойцов из леса домой, чтобы заснять это зрелище на камеру. Однако жуки замирали на месте и отказывались драться, едва на них направляли свет и камеру. Тогда Старевичу пришла в голову мысль использовать не живых жуков, а их чучела, «оживив» их с помощью покадровой съёмки [10] . При этом он снял не просто трюковой эпизод, а придал действу драматический характер. К сожалению, первый его фильм «Lucanus Cervus» (1910) не сохранился. Последующие фильмы Старевича с теми же персонажами-жуками также отличались нетривиальным сюжетом. Самые известные из сохранившихся фильмов – пародия на рыцарскую мелодраму «Прекрасная Люканида, или Война рогачей и усачей» (1911), а также «Месть кинематографического оператора» (1912) – пародия на салонную мелодраму с лихо закрученным сюжетом из тех, что в огромных количествах производила кинопромышленность дореволюционной России. В первых лентах Старевича главные роли «играют» жуки-рогачи, что тоже является своеобразной игрой слов – у этого вида жуков рога носит только самец, и в фильме эти самые жуки играют роли обманутых мужей. Фильмы Старевича производили на зрителя сильное впечатление. У него спрашивали, как ему удалось так выдрессировать насекомых [3, с. 25] ? Между тем, с каждым новым фильмом Старевич продолжал удивлять зрителя новыми приёмами. После успеха с «искусственными» насекомыми, в фильме «Рождество у обитателей леса» (1911) появляется кукла – фарфоровый Дед Мороз, используется принцип обратной съёмки. В последующих фильмах участвуют мастерски исполненные фигуры животных, людей и фантастических существ. После революции закончился российский период творчества Владислава Старевича, в котором насчитывалось большое количество как мультипликационных, так и художественных фильмов. В 1919 году он эмигрировал во Францию, где и продолжил эксперименты с анимационными изображениями.

Это было время талантливых мастеров-одиночек. Старевич, как и Коль, предпочитал творить в одиночестве. Ему помогали только жена, помогавшая шить костюмы, и две дочери, которых он задействовал иногда как актрис в своих фильмах, совмещая натурные и покадровые съёмки. Он сам разрабатывал образы персонажей и шил куклы, ставил декорации и сам снимал фильмы на камеру. Трудно поверить, но Старевич в одиночку снял в 1930 году полнометражный фильм «Рейнеке-лис» по одноименному произведению И.-В. Гёте, в котором задействовал фигуры персонажей в человеческий рост (естественно, изготовив их самостоятельно), к тому же у каждого персонажа было до 500 сменных масок. К моменту съёмок этого фильма кино как раз обрело звук, и Старевич, приняв это нововведение, переделал картину под озвучание. Впервые фильм был озвучен в 1937 году на немецком языке, а в 1941 году – на французском. Мимика и жесты персонажей в этом мультфильме поражают зрителя. Животные щурятся, плачут, дышат, гримасничают, почти как живые актёры. И в этой картине также не обошлось без «руки творца»: в начале рука подносит обезьянку к киноаппарату и строго грозит ей пальцем, после чего обезьянка включает проектор и начинается фильм, а в конце эта же рука оттаскивает обезьянку за ухо от киноаппарата.

Владислав Старевич получил признание как создатель первых в мире кукольных мультфильмов. Его работами вдохновлялись Уолт Дисней [16] , Тим Бёртон, Уэс Андерсон и другие творцы кукольной и рисованной анимации [15] .

Однако, открытие, сделанное киноведом Виктором Бочаровым в 1995 году, показало, что первый кукольный мультфильм был снят ещё в 1906 году балетмейстером Мариинского театра Александром Ширяевым [11] . Это были фильмы, демонстрирующие возможности балетной техники. В 1904 году Александр Ширяев обратился к руководству Мариинского театра с просьбой разрешить ему приобрести киноаппарат и снимать безвозмездно спектакли театра, чтобы фиксировать технику танца – в учебных целях. Но получил отказ. Это его не остановило, и он приобрёл в Англии за свои деньги любительскую камеру, изготовил несколько десятков кукол размером около 25 сантиметров и приступил к съёмкам. Вероятно, путешествуя по Европе, Ширяев имел возможность познакомиться с работами ранних кинематографистов, в том числе, с трюковыми и комбинированными съёмками Жоржа Мельеса, одного из основоположников мирового кинематографа [13] . Куклы-актёры, задействованные в сценках «Шутка Арлекина», «Пьеро-художники», «Пьеро и Коломбина» — персонажи комедии дель арте — разыгрывали сценки из балетных спектаклей, в точности воспроизводя балетные па, что должно было служить учебным материалом для будущих артистов балета. К сожалению, это открытие не стало сенсацией и не перевернуло представление об истории мировой мультипликации. А киноленты Ширяева не оказали влияния на развитие кинематографа [12] . Произошло это, вероятно, потому что первый игровой мультипликационный фильм задумывался как учебное пособие для артистов балета, был снят любителем, а не профессионалом, и никогда не шёл в широком прокате.

Несмотря на своеобразие ранней российской анимации, можно отметить её связь с анимацией мировой: в картинах В. Старевича также присутствуют элементы балаганной культуры, как и во всей ранней анимации, а присутствие в лентах Ширяева персонажей итальянской комедии масок роднит их с ранними лентами западных аниматоров.

Так, подводя итоги, можно отметить характерные черты ранней анимации, который проявлялись в том, что первые мультфильмы были пробой пера, разработкой технических приёмов и технологий съёмки, техническими экспериментами, наполненными трюками и комическими сценками. Их создатели, пришедшие в анимацию, в основном, из смежных профессий: кинооператоры, карикатуристы, иллюзионисты и т.д., предпочитали создавать свои шедевры в одиночку, не помышляя о коммерческой выгоде. Они творили то, что будет признано отдельным видом искусства лишь спустя почти век после своего открытия.

Спилберг собирается снимать на студии Warner Bros фильм о жизни Моисея

«Фильм о Моисее будет похож на «Храброе сердце». В картине покажут всю жизнь Моисея: от его спасения на берегу Нила до сбора воинства и получения десяти заповедей. Было снято немало «глянцевых» картин о Моисее, новое кино станет фильмом о реальной военной истории», — приводит издание слова источника из киностудии Warner Bros.

МОСКВА, 26 янв — РИА Новости. Стивен Спилберг (Steven Spielberg) собирается снимать на студии Warner Bros фильм «Боги и цари» (Gods and Kings), где библейский пророк Моисей предстанет перед зрителем великим воином, сообщает в четверг киноресурс Deadline.com.

Еще в 1956 году студия Paramount выпустила широкоформатный фильм «Десять заповедей» (The Ten Commandments), но «Боги и цари» не станут римейком той, давней картины — студия ожидает от режиссера военной драмы, выдержанной в канонах классической голливудской военной драмы. Превращать сцену прохода по морю аки посуху в высокобюджетное трехмерное зрелище также не планируется. Впрочем, о бюджете будущего фильма пока ничего не сообщается.

По сведениям источника на студии, договор с режиссером должен быть подписан к концу января, а начало съемок запланировано на весну 2013 года.

«Боги и цари» — далеко не первый опыт Спилберга в военной драме, однако последняя попытка, «Боевой конь» (War Horse), оказалась не слишком успешной: фильм не очень удачно стартовал в американском прокате, собрав лишь 73 миллиона долларов при бюджете в 66 миллионов долларов, а киноакадемики не выдвинули режиссера на «Оскар», включив «Боевого коня» в число номинантов лишь в категориях «Лучший фильм», «Лучшая операторская работа» и «Лучшая работа художника», а также «Лучший оригинальный саундтрек».

Фильм «Боги и цари» — не единственная картина по библейским мотивам, над которой сейчас работают в Голливуде. Мэл Гибсон (Mel Gibson), автор «Страстей Христовых» (Passion of Christ, 2004), вместе со сценаристом и продюсером Джо Эстерзом (Joe Eszterhas) собирается снимать историю Иуды Маккавея (Judah Maccabee), которая должна выйти в 2014 году, а Даррен Аронофски (Darren Aronofsky) работает над фильмом «Ноев ковчег».

Первый фильм о библейском пророке «Жизнь Моисея» был снят Дж. Стюартом Блэктоном (J. Stuart Blackton) еще в 1909 году, в дальнейшем он появлялся в кадре нескольких десятков кино- и телефильмов.

История аниме

Первым шагом необходимым для создания анимации, было изобретение устройств способных к записи и воспроизведению видео, т. е. кинопроектора и видео камеры. В конце 1800-х появился сразу ряд проектов подобных устройств, как обладающих лишь одной способностью, так и совмещающих в себе сразу обе. К наиболее значительным из таких проектов относятся: устройство совмещающие в себе камеру и проектор от Луи Лепренс (Louis Le Prince), запатентованное в 1888 году; еще одно подобное устройство изобретенное братьями Люмьер (Lumiere), и запатентованное в 1885 году; а так же кинетоскоп\кинетограф от Эдисона, изобретенный в 1888 году. Первая видео запись была сделана с помощью устройства от Луи Лепренс еще в 1888 году. Она называется Roundhay Garden Scene, и идет лишь 2 секунды. Тогда как первая запись от братьев Люмьер была сделана и публично показана в 1895 году. Она называется Workers Leaving The Lumiere Factory, и идет 46 секунд. Обычно именно ее считают первым фильмом. Начиная с середины 1890-х, устройства для записи и воспроизведения видео поступают в массовое производство. Становясь публично доступными, и тем самым начиная эру фильмов.

В Японии первые устройства для записи и воспроизведения видео были продемонстрированы еще в 1896-1897 году. Уже в 1897 был снят первый японский фильм, показывающий виды Токио. Тогда как самым ранним из сохранившихся японских фильмов является трех минутный фильм Momijigari, сделанный в 1899 году. В нем запечатлена часть представления известных актеров кабуки. Уже в 20-х, если не раньше, в Японии снимали полнометражные фильмы. Как и ранние аниме фильмы в последствии, их долгое время озвучивали специально нанятые нарраторы, известные как бэнси. И лишь после появления фильмов с озвучкой, в начале 30-х, бэнси стали потихоньку исчезать.

Первое подобие анимационного фильма, было сделано в 1900. Оно известно как Enchanted Drawing, и представляет собой простую запись человека, рисующего на бумаге. Чуть более полноценный предшественник анимационного фильма вышел в 1906 году, под названием Humorous Phases of Funny Faces. Он так же представляет собой запись рисования на доске, однако на этот раз видно уже не все тело, а лишь рука рисующего. Оба фильма были сделаны американским продюсером, по имени Джеймс Стюарт Блэктон (James Stuart Blackton). Первый настоящий анимационный фильм, выполненный в технике традиционной анимации, был сделан французским аниматором Эмил Коль (Emile Cohl), в 1908 году. Он называется Fantasmagorie и идет 1 минуту 20 секунд. Чуть позже анимация появилась и в Америке. Ее первым примером является фильм Little Nemo показанный 8 апреля 1911 года. Хотя сам фильм идет 11 минут, лишь 4 из них, занимает анимация. Именно в Америке появился и первый анимационный сериал, трансляция которого началась в 1949 году. А позже и первый цветной сериал транслирующийся с 1957 года.

Со временем анимация достигла и стран Азии. Так первая анимация, в виде анимированной рекламы, была сделана в Китае в 1922 году. Первый короткометражный фильм вышел в 1926, а первый фильм с озвучкой в 1935. Еще более значительным является создание первого китайского полнометражного фильма Tie Shan Gongzhu, он вышел в 1941, и являлся самым ранним полнометражными фильмом сделанным во всей Азии. Однако он был еще черно белым, так самый ранний цветной короткометражный фильм сколь либо значительного размера вышел только в 1956, а полнометражный как минимум в 1965. Анимация в Корее появилась значительно позже. Ее первым примером так же является рекламный ролик, сделанный в 1956 году. Лишь в 1961 в ней вышел первый 5 минутный анимационный фильм, тогда как первый полнометражный фильм Hong Gildong вышел в 1967. Анимация сделанная для показа по телевиденью появилась в ней сначала в виде спешала Tteodori Kkachi вышедшего в 1987 году, и лишь чуть позже в виде 13 серийного сериала вышедшего в 1989. В Японии первые анимационные фильмы были показаны еще до появления японской анимации. Самым ранним из них судя по всему был французский фильм Les Exploits de Feu Follet (известный в Японии как Nipparu no Henkei) от Эмил Коль. Сделанный в конце 1911, и вышедший в Японии 15 апреля 1912 года.

Первый период

Первый период аниме начался с выхода первого коммерческого аниме фильма в начале 1917 года. Время его окончания является более спорным вопросом, но резоней всего пологать, что он шел до начала выпуска первого телевизионого сериала в 1961 году. В первом периоде аниме можно выделить три больших особенности, отличающих его от последующих периодов. К ним относится: отсутствие единого аниме стиля, преобладание короткометражных фильмов, и малая масштабность аниме тех лет. Аниме создаваемое в этом периоде, еще не имело единого стиля, и разные аниматоры использовали свои собственные стили. Часть из них была схожа друг с другом, однако ни один из них не был похож на аниме стиль установившийся в последующие периоды. Как в смысле отсутствия анимационной, так и сюжетной схожести. Почти все созданное в нем аниме было выполнено в виде короткометражных фильмов. По верх них, в нем вышло только 5 полнометражных фильмов, и 2 спешала. Причем все они, кроме первого полнометражного фильма, вышли в самом конце периода. Малая масштабность является более комплексной особенностью. Под ней подразумевается сразу ряд вещей включая: малое количество производимого аниме (за весь этот период вышло менее одной десятой процента, от аниме вышедших за первые сто лет его существования), малую известность аниме, и отсутствие больших анимационных студий (которые только начали появляться в самом конце периода). Аниме в те времена создавалась отдельными аниматорами, или на малых анимационных студиях. Не способных на создание большого количества аниме, включая в частности полнометражные фильмы и телевизионные сериалы. Что на пару с отсутствием особой развитости состава аниме тех лет, привело к отсутствию значительной популярности. Ввиду чего, хотя в последующие периоды анимация и превратилась в одну из самых развитиых и известных японских индустрий, она еще вовсе не была такой в этом периоде.

Конец первому периоду положило одно, из трех потенциально значительных событий, к которым относится: выход первого сериала, выход первого популярного сериала, или выход первого цветного полнометражного фильма. Показ первого телевизионного сериала Instant History начался в середине 1961 года. Однако этот сериал еще не был выполнен в аниме стиле, и не отличался особой популярностью. Фактически даже если бы он и не вышел, это мало бы что изменило. Куда более значительным был выход следующего за ним сериала Tetsuwan Atomu (Astro Boy). Он не только был первым сериалом выполненным в ранней версии аниме стиля, но и первым действительно популярным аниме сериалом. Именно его популярность привела к быстрому росту количества телевизионных сериалов. Ввиду чего подавляющие большинство последующих аниме, были выполненны в форме телевизионных сериалов. И даже прочие типы аниме стали часто сниматься на основе сериалов. Еще одной потенциальной датой окончания этого периода, можно считать выпуск в 1958 году первого цветного полнометражного фильма Hakujaden (что само по себе стало возможным за счет появления первой большой аниме студии). Хотя он и не являлся первым полнометражным фильмом, именно его выход стал толчком для перехода от короткометражных, к полнометражным фильмам. Что на пару с популяризацией телевизионных сериалов, радикально изменило состав последующий аниме фильмов. Большинство из которых стали выпускаться или в виде не зависимых полнометражных фильмов, или в виде фильмов на основе телевизионных сериалов (начавших выходить с 1963). Тогда как короткометражные фильмы старого типа почти исчезли. Если бы речь шла только об начале нового периода в аниме фильмах, а не об аниме в целом, то именно выход Hakujaden был бы наиболее подходящей датой. Однако говоря об аниме в целом, начало телевизионных сериалов является куда более важным событием. В каком то смысле выход Hakujaden можно условно считать концом первого периода (в смысле конца выхода типичных для него аниме), но не началом второго, на роль которого подходит лишь начало телевизионных сериалов.

Первый период можно далее разделить на три под периода. Обычно известных как первое поколение аниме (1917-1918), второе поколение аниме (1924-1936), и военный\после военный период (1937-1960). Аниме первого поколения было выполнено всего тремя аниматорами, активно работавшими в 1917-1918, но фактически прекратившими создание аниме в последствии (не исключено что аниме выходило и в 1919-1923, но информации по этому не сохранилось, во многом ввиду большого землетрясения в 1923 году). В 1924 аниме стартовало снова, и одно время продолжало активно развиваться и расти, без особо больших изменений в его составе. Однако в 1937 Япония вступила во вторую Японо-Китайскую войну, положившею конец второму периоду аниме. Как во время войны, так и даже после ее окончания, аниме уже не выходило в таком количестве как во времена второго поколения. Однако именно в этом периоде вышел ряд особо значительных аниме фильмов, а в 50-х начался активный переход к созданию цвтных фильмов.

Первое поколение

Самый ранний из известных примеров аниме, появился еще за долго до начала первого поколения. Им является 3 секундный клип Katsudou Shashin, сделанный еще в 1907, и обнаруженный лишь в 2005. Однако отсчет истории аниме обычно идет не от него, а от появления коммерческого аниме в 1917 году (ни одного аниме выходившего между 1907 и 1917 не известно). Какое именно аниме стоит считать первым в точности не ясно. Однако это явно одна из работы Отэна Симокавы. Претендентами на это звание является Imokawa Mukuzo: Genkanban no Maki, Dekoboko Shin Gachou: Meian no Shippai, и еще одна не известная работа Симокавы, существование которой лишь предполагается. Об первенстве Genkanban no Maki свидетельствует статья Симокавы от 1934 года, в которой он сам называет Genkanban no Maki своим первым аниме, не приводя даты его показа. Об дате показа свидетельствует запись в июльском номере журнала The Kinema Record за 1917 год. В котором указывается что первое аниме от компании Tenkatsu (на которую и работал Симокава) было показано в январе 1917. Без указания того какое именно аниме было тогда показано. Казалось бы, что на основе этого, Genkanban no Maki можно и считать первым аниме, которым он действительно считался долгое время. Однако в майском выпуске того же The Kinema Record указывается что Genkanban no Maki был третьим аниме, и показан лишь в апреле 1917. Между тем все тот же журнал указывает что Meian no Shippai был вторым аниме, показанным в первые 10 дней февраля 1917, чему ничто больше не противоречит. Таким образом или Genkanban no Maki был первым (и указание в июльском выпуске не верно). Или какое то не известное аниме от Симокавы вышедшее в январе 1917 было первым (что ставит под вопрос статью самого Симокавы). Ввиду отсутствия таких противоречий в случаи Meian no Shippai его можно условно считать первым аниме для которого есть четкое указание как на название, так и на дату выпуска.

Первое поколение аниме шло лишь два года, с 1917 по 1918 (возможно и дольше, но данных об этом нет). В целом за эти два года вышло как минимум 28 аниме фильмов, только 2 из которых сохранились до сих пор. Все они были созданы всего лишь тремя аниматорами, работающими не зависимо друг от друга. К ним относятся создавший самое первое аниме Симокава Отэн (Shimokawa Outen), создавший первое сохранившиеся аниме Коти Дзюнити (Kouchi Junichi), и создавший самое большое количество аниме первого поколения Китаяма Сэйтаро (Kitayama Seitarou). Стоит отметить, что все они, по разным причинам, отошли от создания анимации в последствии. Ввиду чего, аниме второго поколение создавалось уже не ими.

Симокава Отэн прославился как создатель самого первого коммерческого аниме, какая бы именно из его работ им не являлась. В целом он создал пять фильмов (хотя есть слухи и про еще два). Все они вышли в 1917, и ни один из них не сохранился. Его работы так же примечательны тем, что являются ранним примером аниме, сделанного на основе манги (Imokawa Mukuzo был персонажем из манги, написанной самим Симокавой). Ввиду проблем со здоровьем Симокава вынужден был оставить занятие анимацией, однако в последствии он работал в качестве консультанта по созданию аниме фильмов.

Хотя аниме Симокавы и было первым, но самым ранним из сохранившегося аниме стал фильм Коти Дзюнити, известный как Namakura Gatana: Hanawa Hekonai Meitou no Maki. Вышедшей лишь на полгода позже первой из работ от Симокавы, а именно 30 июня 1917 года. В нем рассказано об самурае пытающемся сделать тамэсигири новым мечом (проба нового меча на случайных прохожих, перед его использованием в настоящей битве). Однако ввиду ограничения собственных способностей, обе попытки сделать это провалились, а сам самурай стал винить в этом меч. Все это аниме идет всего лишь 4 минуты, и состоит из 4 сцен. Поверх этого фильма Коти, сделал еще 2 фильма. Оба фильма вышли в 1917, но не один из них не сохранился. Между тем у компании Kobayashi Shoukai, на которую он работал, начались проблемы, и с 1918 она перестала заниматься производством фильмов. Ввиду чего Коти оставил занятие анимацией, перейдя на другую работу.

Еще большую роль в последующей истории аниме сыграл Китаяма Сэйтаро. Хотя он и не успел стать первым (однако его первое аниме вышло на месяц раньше первого аниме от Коти, так что он был вторым), именно он создал больше всего фильмов в первом периоде. В целом в 1917-1918 году, им было сделано как минимум 20 фильмов, лишь один из которых сохранился сейчас. Сохранившимся фильмом является вышедший в начале 1918 года, фильм Urashima Tarou. Он идет всего одну минуту, и представляет собой сильно укороченный пересказ одноименной японской сказки. Стоит отметить, что многие прочие сделанные им фильмы, так же являются экранизациями старых японских сказок. Часть из которых была в последствии экранизирована по новой, а порой и не раз, другими аниматорами (как минимум четыре повторных экранизации, вышли уже в 20-х). Другой примечательной вещью относительно его, было то, что именно он открыл первую японскую анимационную студию, которой стала Kitayama Eiga Seisakujo, открытая в 1921 году. К сожалению она была разрушена великим землетрясением 1923 года, и закрыта после этого. Однако наиболее значительным вкладом в историю аниме, сделанным Китаямой, были не собственные работы, и не студия, а его ученики. Среди которых присутствует вся четверка наиболее значительных аниматоров 20-х годов. Один из которых в последствии так же был причастен к созданию первой большой японской анимационной студии Toei Animation.

Последняя из известных работ первого поколения аниме датируется еще 1918 годом. За которой следует пятилетний перерыв, идущий вплоть до 1924. Если во время него и выходили новые аниме, то не то что их, а даже информации об их существовании, судя по всему не сохранилось. Причиной как этому, так и столь малому количеству сохранившихся аниме тех времен, является великое землетрясение в Канто 1923 года, положившие конец первому поколению аниме. В результате его Токио был почти полностью разрушен, и 105 тысяч человек погибло.

Второе поколение

Второе поколение аниме шло в течении 13 лет, с 1924 по 1936. Всего за него вышло более 130 фильмов (больше чем в первом и военном\после военном периоде вместе взятых), как минимум 105 из них сохранилась до сих пор, и фактически доступны для просмотра (они были выпущены на DVD, или выложены в интернете). Фильмы тех времен обычно шли по 10-15 минут, хотя среди них встречались и фильмы длиной от 1 до 27 минут. Из этих 105 фильмов, 72 (68,5%) сделаны всего лишь 6 аниматорами (а многие из оставшихся совсем маленькие). Четверо из них были учениками Сэйтаямы, и начали заниматься созданием аниме уже в 20-х (20 из 22 фактически доступных аниме фильмов 20-х, было сделано ими), а еще два присоединились к ним в 30-е годы.

Первая четверка аниматоров состоит из Санаэ Ямамото (Sanae Yamamoto), Ясудзи Мураты (Yasuji Murata), Хакузана Кимуры (Hakuzan Kimura), и Нобуро Офудзи (Noburo Ofuji). Из этой четверки Санаэ Ямамото и Ясудзи Мурата можно условно назвать наиболее стандартными аниматорами. Они оба сделали не мало фильмов, с довольно типичным содержанием для тех лет. Выполненных на простом или среднем уровне анимации, в зависимости от конкретной работы. В противовес им Хакузан Кимура хотя и сделал куда меньшее фильмов, но зато имел свой собственный стиль, использующий значительно более детальную анимацию (наиболее технически продвинутые аниме фильмы в 20-х были сделаны им). Однако наибольшей известности среди этой четверки достиг Нобуро Офудзи. У него так же был свой, причем весьма своеобразный стиль. Хотя все ранние аниматоры использовали вырезную анимацию, лишь в работах Офудзи вырезка персонажей и части фоновых объектов, была наглядно заметна. К тому же они обладали довольно не обычной раскраской, получаемой за счет использования традиционного японского вида бумаги васи. Правда такой стиль Офудзи использовал главным образом где то до 1933. Его последующие работы были выполнены отчасти в более типичном стиле, а отчасти в стиле силуэтной анимации.

Вся четверка аниматоров продолжала делать фильмы и в 30-х годах. В них к присоединились еще два известных аниматора, к которым относятся Кэнзо Масаока (Kenzou Masaoka), и его ученик Мицуё Сэо (Mitsuyo Seo). В отличии от прочих аниматоров, Масаока происходил из довольно состоятельной семьи землевладельцев. Что дало ему не малое преимущество. За счет этого он уже в 1933 открыл свою собственную анимационную студию Masaoka Bijutsu Kenkyujou. Создав на ней как, теперь считающийся потеряным, первый в истории аниме фильм с озвучкой Chikara to Onna no Yo no Naka (1933), так и первый в истории аниме фильм сделанный целиком за счет использования целов Chagama Ondo (1935). Стоит отметить что в те времена целы были еще довольно дорогими, и многим аниматорам приходилось обходится без них. Ввиду чего работы Масаоки были выполнены на значительно более высоком уровне анимации, чем работы прочих аниматоров тех лет. В последствии, благоприятное финансовое положение так же позволило ему продолжать создание обычного аниме даже во время войны. Не переключаясь на создание военных фильмов, как многие другие аниматоры были вынуждены сделать. Так именно во время войны выходит его самый знаменитый фильм Kumo to Chuurippu (на пару с Ari-chan от Сэо, по сути являющийся самым технологическим продвинутым из черно белых короткометражных аниме фильмов). Его ученик Мицуё Сэо так же создал в 30-е ряд фильмов, с несколько лучшей чем в среднем анимацией. Догнав по качеству своего учителя в начале 40-х. С релизом в 1941 году первого аниме снятого с использованием мультикамеры Ari-chan. Однако больше всего Сэо прославился за счет создания первого почти полнометражного фильма Momotaro no Umiwashi (1943), и продолжающего его первого полнометражного фильма Momotaro: Umi no Shinpei (1945). Оба фильма были военными, и выполнялись за счет заказа и на бюджет от правительства (у отдельных аниматоров не было денег на полнометражные фильмы, а больших анимационных студий в те времена еще не существовало).

Среди фильмов этого периода, есть ряд тех, которые стоит особо отметить (кроме уже упомянутых Chikara to Onna no Yo no Naka и Chagama Ondo). Среди них есть фильм примечательные использованием цвета, размером, а так же линейки фильмов сделаных на основе манга серий. Хотя серъезный переход на создание цветных фильмов начался только в начале 50-х, первые эксперементы по их созданию были сделаны еще в 30-х. Включая в частности 3 минутный фильм с абстрактной анимацией An Expession (1935), от Сигэдзи Огино (Shigeji Ogino). Он, как и прочие работы Огино, так же примечателен как ранний пример эксперементальной анимации. Чуть позже Офудзи совместно с Огино так же выпустил 2 минутный цветной фильм Katsura Hime (1937). Который был сделан на подобе обычных фильмов от Офудзи, и как следствие уже не был абстрактным. В этом периоде так же вышло несколько фильмов, примечательных своим размером. Включая 27 минутный фильм Nansensu Monogatari 1: Sarugashima (1931), и 22 минутный Entotsuya Perou (1930). Хотя Sarugashima и не отличался особой известностью, но судя по всему он оставался самым большим аниме фильмом вплоть до выхода Momotarou no Umiwashi в 1943, т. е. в течении 12 лет! К тому же он возможно был первым аниме фильмом, имеющим на прямую продолжающею его историю, в виде фильма Nansensu Monogatari 2: Kaizokusen, так же вышедшего в 1931. Среди фильмов выпущеных в эти времена, есть и линейки фильмов созданых на основе известных манга серий. Причем часто совсем разными аниматорами. Наиболее значительным примером которых, являются фильмы на основе манги про Norakuro. По нему в этом периоде вышло как минимум 5 фильмов, от судя по всему, трех разных аниматоров.

Военный и после военный период

Военный и после военный период шел в течении 24 лет, с 1937 по 1960. Всего за него вышло более 90 аниме фильмов, как минимум 45 из которых сохранились и фактически доступны для просмотра. В отличии от предыдущих периодов, в нем уже не приходится говорить об появлении новых, особо значительных аниматоров. Однако ближе к концу периода, в нем появилось несколько значительных анимационных студий. По сравнению с предыдущим периодом, количество производимого в нем аниме сильно упало. По началу в связи с военными трудностями, а позже в связи со сложностью продажи анимации в полуразрушенной стране. Его военная часть (1937-1945) характерна большим количеством военных фильмов (существовавших в ограниченном количестве еще с 20-х). Часть из которых имела довольно большой размер, вплоть до появления в этот период первого полнометражного фильма Momotarou: Umi no Shinpei. Тогда как в после военной части (1946-1960) такие фильмы целиком исчезли. После чего как состав, так и размер аниме, стал несколько ближе к аниме второго поколения, хотя и не был идентичен им. Пятидесятые особо примечательны переходом фильмов к цветной анимации, начавшимся судя по всему еще с 1952.

Не смотря на не большое количество выходивших фильмов, среди их есть не мало примечательных работ. Так именно в этом периоде в аниме наконец появляются полнометражные фильмы. Их история началась с двух военных фильмов, Momotarou no Umiwashi (1943) и Momotarou: Umi no Shinpei (1945). Хотя первый из них еще не был полнометражным идя лишь 37 минут, он все равно был дольше всех аниме выходивших до этого, и первым аниме перешедшим за полчаса показа. Тогда как продолжающий его второй фильма, был самым настоящим первым полнометражным аниме фильмом, идущим вдвое больше первого, т. е. 74 минуты. Хотя оба фильма были сделаны по заказу от армии, и повествуют о войне, они в то же время являются самыми красивыми и трогательными фильмами, на которые было способно аниме тех лет. Лишь в самом конце периода выходит первый цветной полнометражный фильм Hakujaden (1958). Открывающий собой ряд высоко бюджетных полнометражных фильмов от Toei Animation. Из которой в этом периоде вышло еще два фильма Shounen Sarutobi Sasuke (1959), и Saiyuuki (1960). Поверх них до начала 60-х, вышел еще лишь один полнометражный фильм, которым был Hyoutan Suzume (1959). Однако он не отличался не размером, не качеством анимации, не сюжетом, ввиду чего об нем мало кто знает. Поверх полнометражных фильмов значительную известность так же получил уже упомянутый первый фильм снятый с использованием мультикамеры Ari-chan (1941) от Мицуё Сэо, и самый известный из фильмов Кэнзо Масаоки Kumo to Chuurippu (1943). Не смотря на разных создателей, эти фильмы были крайне похожи друг на друга, и сделаны на практически одинаковом уровне анимации, являющейся наиболее продвинутой, среди короткометражного аниме фильмов тех лет. Так же стоит отметить, что в этом периоде получило развитие и создание фильмов выполненных в стиле силуэтной анимации. Фильмы выполненные в этом стиле в целом склонны быть несколько более взрослыми, и в то же время довольно не обычными. В теории такие фильмы выходили и раньше (включая Kanimanji Engi вышедший в 1924, и Entotsuya Perou вышедший в 1930), однако в этом периоде их было куда больше. Наиболее значительными из них является линейка из 5 фильмов от Нобору Офудзи, выходивших с 1943 по 1956. Первый и самый большой из них Malay Oki Kaisen, был еще военным фильмом, повествующем о битве в Малайзии. Однако последующие фильмы были сделаны уже после войны, и не содержали военной тематики. Причем последние два фильма Kujira (1952) и Yuurei Sen (1956) были сделаны уже в цвете. Еще одним значительным фильмом выполненным в данной технике был Ochou Fujin no Gensou (1940), который судя по всему можно назвать самым взрослым из ранних аниме фильмов. Особой отметки так же заслуживает фильм Mahou no Pen (1946). Хотя он не является сколь либо известным, именно в нем, судя по всему в первые были показаны идеи, схожие с теми, что были в последствии использованы в жанре махо-сёдзё. Занятно что он вышел как раз за 20 лет до показа первого махо-сёдзё сериала Mahoutsukai Sally, и за 40 лет до показа более близкого к его содержанию Pastel Yumi (в обоих из них есть пишущий предмет, создающий нарисованные им объекты).

Своего рода нитью связывающей этот период, со следующим, стало появление в нем первых значительных аниме студий. Наиболее примечательной из которых стала открытая при участии Ямамото Санаэ и Кэнзо Масаоки студия Nippon Douga, что произошло в 1948 году. В 1956 она была куплена крупной компанией по созданию LA фильмов Toei Company, и в последствии переименована в Toei Animation. Став первой большой аниме студией, и оставаясь самой большой из существующих студий, даже сейчас (стоит отметить, что так как Санаэ был учеником еще Сэйтаямы, это позволяет через Toei провести нить от первого поколения, до современного аниме!). Именно ей был сделан Hakujaden (судя по всему она была куплена и сильно расширена для его создания), положивший конец эре короткометражных фильмов, переведя ее в эру полнометражных. Позже Toei так же стала большим игроком в сфере создания телевизионных сериалов. Однако первой студией создавшей телевизионный сериал была гораздо менее известная студия, под названием Otogi Pro. Она была основана автором популярной в те времена манга серии Fuku-chan Рюити Ёкоямой (Ryuichi Yokoyama). Хотя он и стремился сделать ее действительно великой студией мирового значения, сама студия просуществовала относительно не долго. И примечательна лишь созданием первого телевизионного сериала Instant History, а так же парой полнометражных и короткометражных фильмов (включая Hyoutan Suzume), ни один из которых не получил особой известности. Другой важной студией, открытой в самом конце этого периода, стала студия Mushi Pro. Созданная самым знаменитым мангакой и аниматором Осаму Тэдзукой, и открытая в 1961 году. Именно на ней был выпущен первый действительно популярный телевизионный сериал Tetsuwan Atomu (1963), успех которого фактически и положил подлинное начало эры телевизионной анимации. Впоследствии эта студия сделала еще не мало сериалов, и несколько фильмов. Правда позже закрылась ввиду финансовых проблем.

Особенности

Аниме первого периода является аниме только в том смысле, что оно было сделано в Японии. Оно не является выполненным в аниме стиле, расходясь с ним в практически всех базовых точках. Так для аниме стиля характерен показ красоты. Тогда как в аниме первого периода, красивыми можно назвать только некотрые из более удачных фоновых изображений. Да и даже их стиль рисования был ближе к традиционным японским рисункам, нежели будущему аниме стилю. Еще больше разницу можно заметить сравнив особенности изображения персонажей. Стиль их изображения в аниме первого периода, даже не напоминает аниме стиль, и является более близким к анимации других стран, часто содержа типичные для них карикатурные составляющие. Даже героями аниме тех лет, подобно анимации других стран, чаще всего были животные. Что так же отличает его от современного аниме, в котором главными героями почти всегда являются люди. Еще одной важной особенностью будущего аниме, является создание продвинутых сюжетов, интересных не только детям. Тогда как почти все аниме первого периода были ориентированы на детей, и обычно содержали сюжет особо не превосходящий по уровню детских сказок. Часто подобно им они содержали различные моральные уроки, и ввиду этого по сути использовались для влияния на детей. Правда было бы не верным полагать, что все аниме тех времен, было исключительно детским. Даже среди него был пусть и не большой, но все же ряд куда более серьезных работ (главным образом выполненных в силуэтной анимации). Тем не менее они все равно не были похожи на аниме последующих лет, и не содержали особо сложных сюжетов. Еще одной особенностью будущего аниме является активный показ эмоций, и ситуаций взывающих эмоции у зрителя. Однако и в этом плане аниме первого периода не были похожи, не являлись особо эмоционально ориентированными. Не смотря на все это, общность в стране происхождения, все же отчасти связывала аниме тех лет и будущие аниме. Использование ими японского сеттинга, является вполне очевидным сходством с аниме будущего.

Особо внимания заслуживает особенности передачи диалогов и пояснений. Стоит отметить что даже сами диалоги, и какие либо описания событий присутствовали не во всех, хотя и в большинстве аниме тех лет. Тем не менее в части аниме тех лет они отсутствуют вообще, таким образом происходящие в них следует понимать лишь из графического представления событий. Даже в тех аниме, в которых они присутствуют общее количество диалогов и пояснений обычно относительно не велико. Лишь в очень не многих аниме тех лет, диалоги достигают количество сравнимого с современным аниме, что само по себе является значительным отличием аниме тех лет от современного. В аниме без озвучивания персонажей, диалоги и пояснения содержались в виде текста. Читаемое на фактических показах, специально нанятыми для этого людьми, которых называли бэнси. В подавляющие большинстве случаев диалоги и пояснения выводились на отдельных экранах с текстом, которые вставлялись тут и там по ходу аниме. Гораздо реже они появлялись в пузырях подобно манге. А в исключительных случаях, использовались и более специфические приемы. Такие как выход букв прямо изо рта персонажей, или закрытие текстом лишь части экрана, вместо полноценного экрана с текстом. Ограниченное количество диалогов и пояснений приводило к тому, что не смотря на простоту сюжета, смысл некотрых аниме было проблематично понять. Их недостаток так же препятствовал появлению продвинутых сюжетов, в аниме тех лет.

Как переводится слово stuart blackton